«On ne naît pas artiste mais on le devient. Du plus loin qu'on s'en souvienne, l'histoire de l'art a été pensée, écrite, publiée, transmise par des hommes. Et quand on est née femme, être artiste, le prouver, y avoir accès, produire, montrer, continuer à le demeurer est un combat permanent, dangereux, épuisant physiquement, intellectuellement et psychiquement. Le temps semble aujourd'hui propice pour revisiter et regarder autrement les créations de celles qui ont eu le courage de défier les règles pour assouvir leur vocation.» Laure Adler.

Ce coffret met à l'honneur le thème des fleurs, et plus généralement de la nature, si importants dans l'art japonais, à travers une sélection des plus célèbres estampes du genre ancestral du kachô-ga, ces « images de fleurs et d'animaux », de l'époque d'Hokusai au début du xxe siècle.
Dès le début du xixe siècle, face à la politique d'isolationnisme du pays, les Japonais aspirent à plus de liberté, et trouvent dans la nature une échappatoire à la claustration ambiante et à l'asphyxie qui les menace à terme.

Renouer avec la nature, écouter le rythme des saisons, admirer les fleurs de pruniers ou de cerisiers, goûter la fraîcheur du soir, contempler les premières neiges, ou surprendre l'envol des grues ou des oies sauvages sont autant d'occasions de longs voyages ou de simples promenades.
Hokusai et Hiroshige saisissent cette évolution de la société japonaise, qu'ils transcendent dans leurs magnifiques estampes de fleurs.

Conjuguant réalisme et spiritualité, observation directe et interprétation tout empreinte de shintoïsme et de bouddhisme, Hokusai (1760-1849), et Hiroshige (1797-1858) portent à sa perfection la représentation d'une nature magnifiée. Partant tous deux de l'observation de la faune et de la flore, ils en expriment, par des styles différents, la permanence et l'état d'éternel recommencement, en même temps que le caractère fragile et éphémère.

Aucun grand maître de l'estampe n'a capturé aussi bien l'âme de la nature japonaise qu'Hokusai. Pour Edmond de Goncourt, c'est « le peintre universel qui, avec le dessin le plus vivant, a reproduit l'homme, la femme, l'oiseau, le poisson, l'arbre, la fleur, le brin d'herbe [...] qui a fait entrer, en son oeuvre, l'humanité entière de son pays ».

Ces deux grands noms de l'estampe vont inspirer nombre d'artistes, ceux notamment du mouvement shin-hanga (« nouvelles gravures »), tels Imao Keinen (1845-1924) ou Ohara Koson (1877-1945), qui vont à leur tour célébrer les fleurs et la nature, et se passionner pour leurs plus infimes variations, puisant dans leurs formes et leurs textures une formidable source d'inspiration graphique Cette sélection des plus belles estampes dédiées aux fleurs ne se veut pas simplement descriptive mais elle révèle comment les artistes les rêvent, les fantasment et leur donnent une force symbolique propre. Les fleurs deviennent ainsi l'expression des émotions, mais aussi celle d'un rapport profond avec la nature, plus que jamais au coeur des questionnements actuels. Lire la suite Fermer

De Claude Monet à Louise Bourgeois en passant par le cubisme et l'art conceptuel, cet ouvrage explore à travers 50 chefs-d'oeuvre, les thèmes, les mouvements et les techniques qui font l'histoire de l'art moderne et contemporain.Susie Hodge propose une introduction innovante sur un ton accessible et didactique, et nous explique les quand, comment et pourquoi de l'évolution de l'art à partir de la fin du XIXe siècle.Un concentré d'art moderne et contemporain.

Qu'est-ce qu'une oeuvre d'art ? Comment l'étudier ? Ces deux questions résument le champ immense de l'histoire de l'art. Discipline autonome, par ses méthodes, son histoire propre et les oeuvres mêmes qui en constituent l'objet, elle est en même temps une branche de l'Histoire totale de la culture et de la civilisation. Comment a-t-elle évolué ? Quels sont ses champs d'étude ? Dans quelle mesure les nouvelles technologies lui ont-elles permis de se développer ?
Xavier Barral I Altet s'adresse aux étudiants qui commencent ou poursuivent des études d'histoire de l'art, mais également à tous ceux que l'art - ses oeuvres, ses techniques, ses périodes (depuis l'Antiquité jusqu'à l'époque actuelle), ses institutions, ses théoriciens, ses créateurs - passionne.

Les Guides des Arts deviennent les guides Hazan ! « Qu'est-ce que cela veut dire ? Qui sont ces personnages ? » Ces questions hantent les visiteurs des expositions et des musées. Aujourd'hui, avec le développement des cultures et la multiplication des références, le langage visuel des oeuvres d'art est souvent opaque et rebutant : il n'est pas rare de « comprendre » davantage une peinture abstraite qu'une prédelle de retable avec un jeune homme à demi nu transpercé de flèches (Saint-Sébastien), une belle jeune fille tenant une roue à la main ou une autre présentant ses yeux sur un plateau (Sainte Lucie).Ce livre reproduit l'image et définit les caractéristiques de plus de cent vingt saints, les plus fréquemment figurés dans l'art sacré, entre histoire et légende, tradition et dévotion. Une fiche pratique d'identification, illustrée d'oeuvres remarquables soigneusement choisies, présente chaque saint, sa vie et son martyre, indique, avec ses attributs (palme, grill, roue, etc.) les références visuelles utiles pour reconnaître sans hésitation personnages et épisodes de son histoire, et recense les caractéristiques du culte dont il est l'objet. 
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La bible pour celles et ceux intéressés par le marché de l'art Cet ouvrage, créé et rédigé par Jacques Armand Akoun, est le plus important répertoire des cotes de peintres en format de poche: plus de 86000 peintres de toutes époques et de tous pays. Un simple coup d'1/2il permet de connaître la cote moyenne de chaque artiste. Les enchères records sont signalées lorsqu'elles sont très éloignées du prix moyen.
Ce livre est l'outil indispensable des chineurs, collectionneurs d'art, marchands et artistes. Il n'a pas d'équivalent sur le marché.
Inclus: la liste des peintres à records qui font l'art contemporain, le palmarès des records, les conseils d'utilisation du livre (en anglais et en français)...

La notion de patrimoine ? elle est apparue en france récemment, au terme d'une longue histoire du domaine, des biens et de la sensibilité.
Cette évolution est ici examinée à travers le fait religieux, monarchique, familial, national, administratif et scientifique. tout cela fait de ce texte un écrit de référence pour la définition de la notion de patrimoine, tant dans le monde universitaire que professionnel.

Décrit la situation de l'art contemporain en France, ses institutions culturelles, l'action de l'Etat dans le secteur des arts plastiques, et démonte les mécanismes économiques et sociaux de construction de la valeur de l'art.

L'intelligence artificielle (IA) s'immisce dans tous les lieux de création artistique - musées, écoles d'art, ateliers d'artistes - pour qui elle devient un outil, voire une muse ! Mais l'IA peut-elle faire preuve de créativité et imiter l'une des expressions les plus intimes de la nature humaine ? Et si un jour elle a la capacité de produire des oeuvres de génie, serait-ce le signe qu'elle a acquis une forme de conscience ? Avec une approche pédagogique, philosophique et artistique, Hugues Dufour dresse un panorama complet de l'art face à l'IA et explore toutes les facettes de cette confrontation inédite entre l'humain et la machine. Il explique les principes de fonctionnement de l'IA et évalue sa capacité à transposer les chemins intellectuels et spirituels qui conduisent à produire des chefs-d'oeuvre. La conquête de l'art par l'IA va modifier profondément notre rapport au monde, notre notion de l'intelligence et élargir l'horizon de notre imaginaire. La collaboration des langages informatiques et artistiques et les expérimentations menées par les artistes contribueront à façonner une IA plus harmonieuse avant qu'elle ne transforme irrémédiablement notre société´. C'est à cette condition que nous échapperons à la « honte prométhéenne », ce sentiment qui nous étreint lorsque nous nous sentons surpassés par une machine que nous avons créée. Lire la suite Fermer

Dans l'histoire humaine, la fabrication des images atteste une persistance et une continuité au moins égales à celles de la «question de soi», que l'homme n'a jamais cessé de se poser. Pourtant, une science générale de l'image nous fait encore défaut, qui saurait rendre compte de cette unité symbolique fondamentale de l'activité humaine. Parallèlement à l'histoire de l'art et aux disciplines intéressées par les dispositifs techniques de production et de transmission des images, la perspective anthropologique en est une vision ouverte, qui met au jour des correspondances dans le temps et l'espace, révèle des affinités inaperçues entre les productions iconiques les plus anciennes du genre humain et celles qu'on s'est peut-être empressé trop vite de dire «nouvelles», images numériques ou représentations élaborées par l'imagerie scientifique. Hans Belting met ici ses réflexions à l'épreuve de divers types d'images, prélevées au fil de l'histoire humaine, depuis les images du culte des morts de l'Antiquité jusqu'aux images «virtuelles» contemporaines, en passant par la photographie, la théorie de l'ombre chez Dante ou l'analyse de la rivalité qui opposa quelque temps, à l'aube de l'humanisme et de l'émergence du sujet, blason et portrait. Lire la suite Fermer

Guide pour connaître et comprendre l'art contemporain, ses multiples formes et ses principaux représentants depuis le début du XXe siècle.

Jusqu'au XVIIIe siècle, un art, du latin ars, qui traduit le grec tekhnê, c'est une technique.

Poésie et musique sont des arts libéraux comme la géométrie, tandis que peinture et sculpture sont des arts mécaniques tout comme l'agriculture.

Pour entrer dans la philosophie de l'art, on étudiera comment le concept moderne d'art a émergé et a permis de constituer un domaine majeur de la philosophie ; englobant la poésie, la musique, la peinture et la sculpture, il est désormais distinct de la science (dont relève la géométrie) et de la technique (dont relève l'agriculture).

On découvrira aussi pourquoi, au début du XXe siècle, ce nouveau concept d'art a fait naître une théorie de l'anti-art, qui rend toute définition de l'art illégitime. Lire la suite Fermer

« Pendant des décennies, je n'ai pas voulu évoquer ma passion pour l'art. Pour toutes les choses importantes, voire essentielles de ma vie, j'ai toujours éprouvé une certaine pudeur. Lorsque je participais aux joutes politiques, je craignais que mon propos puisse être reçu comme un artifice de communication, et, qu'au final ma démarche soit comprise comme insincère. A présent qu'il n'y a plus d'enjeux électoraux au quotidien, et que je suis sorti de la vie partisane, j'ai retrouvé la liberté de parler de ce qui est vraiment fondamental à mes yeux. L'art, la culture, les artistes composent cet essentiel. »

Fruit du désir d'apporter un éclairage clair et rationalisé sur le marché de l'art, cet ouvrage présente les règles, caractéristiques et enjeux de ce marché si particulier. Et ce, dans un souci de mise à distance par rapport à ce que l'art représente en premier : un objet de passion. Par une synthèse des devants mais aussi des dessous du marché de l'art et une lecture attentive de la littérature, Anatomie du marché de l'art répond à la question essentielle que tout collectionneur est en droit de se poser : l'art représente-t-il un placement profitable ?

Accompagnant la diversification des formes artistiques et la faillite des normes traditionnelles d'évaluation des oeuvres, la question de la valeur esthétique de l'art contemporain ne cesse de se poser depuis les dernières décennies du XXe siècle. Loin d'être résolue, elle s'est complexifiée à l'aube du XXIe siècle avec l'émergence d'un marché de l'art international et euphorique, qui fixe les prix et brouille les pistes. Pris dans un réseau dense d'instances évaluatives, il semble aujourd'hui plus simple d'évaluer le prix d'une oeuvre que sa valeur esthétique.
En rassemblant des articles au contenu à la fois théorique et empirique, cet ouvrage donne la parole aux économistes, aux sociologues et aux historiennes de l'art afin de mieux saisir les processus et les critères d'évaluation des oeuvres et des artistes contemporains. Peut-on encore distinguer la valeur esthétique de la valeur économique d'une oeuvre ? Quels critères d'évaluation utilisent les différents acteurs du monde de l'art ? Face à la relativité des normes et des instances évaluatives, l'art contemporain peut-il encore être défini ? Ce recueil examine le rôle des différents acteurs du monde de l'art (critiques, artistes, collectionneurs, galeristes), en prenant pour exemple les scènes françaises, chinoise et américaine.
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Lire l'art contemporain est un ouvrage qui place le lecteur au coeur de la création contemporaine, pour le faire accéder à une contemplation encore plus intime des oeuvres et à une meilleure compréhension. Il est organisé selon un plan thématique : 1. Caractériser : Comment l'art contemporain s'inscrit-il contre la tradition ? 2. Se rappeler : les sources de l'art contemporain (arts primitifs, arts populaires, sciences exactes, et sciences humaines). 3. Informer : Comment forme et contenu se définissent-ils mutuellement ? 4. Faire : Quelles sont les attitudes des artistes par rapport à la réalisation ? Quelles en sont les répercussions sur la nature des oeuvres ? 5. Montrer : les lieux d'exposition et l'interaction entre l'oeuvre et le musée. 6. Regarder : le spectateur devant l'oeuvre, le spectateur dans l'oeuvre, et le spectateur à l'oeuvre. 7. Penser, classer : Histoire de l'art moderne au XXe siècle & généalogie et mouvements. Sa présentation claire et pédagogique sur un thème porteur mais difficile d'accès en fait un guide tout public. Lire la suite Fermer

Ce manuel de référence mis à jour regroupe en un volume l'histoire de l'art du Moyen Age au travers de trois grands ensembles :
L'Art de Byzance, l'Art de l'Occident (art roman et art gothique) et l'Art de l'Islam. Chacun de ces ensembles tire son unité d'un cadre religieux spécifique qui influence directement les formes artistiques, avec les variantes qu'elles connaissent selon les régions et les siècles. Les auteurs ancrent leur analyse dans un contexte global au travers de multiples approches :
Historique, géographique, spirituelle, culturelle et sociale et montrent ainsi comment le développement de l'art au Moyen Age s'est fait par les échanges et les ouvertures aux autres. Le lecteur appréciera à la fois la somme d'informations et le détail des analyses, soutenus par la grande clarté du propos.
- En début d'ouvrage, une série de doubles-pages pour apprendre à faire un commentaire d'oeuvre (peinture, sculpture, architecture) NOUVEAU - Une approche chronologique par grand ensemble avec introduction détaillée exposant le contexte.
- Une thématique développée par double-page constituée d'un texte courant, d'illustrations et d'encadrés.
- Un appareil scientifique très précis qui rassemble cartes, plans d'architecture, chronologie, glossaire, index.
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« Recul de la censure », « retour de la censure », « nouvelles formes de censure », « formes contemporaines de la censure », « cancel culture », etc. constituent autant de formules quotidiennement assenées et ce, de façon contradictoire. Elles sont emblématiques à la fois des inquiétudes permanentes suscitées par le phénomène et des difficultés d'en cerner les manifestations dont la première cause se trouve dans les usages très diversifiés dont le terme « censure » fait l'objet. Si certaines formes de censure, notamment de l'autorité politique, se sont réduites, d'autres ont émergé comme le montrent les exemples multiples mentionnés dans l'ouvrage prouvant sa permanence au-delà de l'évolution de ses formes. L'une des évolutions probablement les plus marquantes réside dans la complexification de ses modalités à travers le numérique en particulier et le développement considérable des réseaux sociaux, depuis les années 2000. Précisément, le renouvellement des modalités et du contexte juridique dans lequel se déploie la censure invite à répondre à une série de questions (sur sa définition, les normes qui l'encadre, ses motifs, ses domaines) et à tenter de dresser un état des lieux, sans toutefois prétendre établir un bilan complet et exhaustif mais en cherchant plutôt à réfléchir, sans négliger la perspective historique, aux principales questions contemporaines. Lire la suite Fermer

Si l'amour est un sentiment universel, les manières d'aimer sont multiples et n'ont cessé d'évoluer au cours de l'Histoire. D'une époque à l'autre, les transformations de la relation amoureuse constituent une inépuisable source d'inspiration pour les artistes.
L'ouvrage se propose d'écrire une histoire des manières d'aimer, depuis le pêché originel jusqu'à la quête de liberté à la fi n du XIX e siècle. Cette histoire d'amours évoque tour à tour l'adoration, la passion, la galanterie, le libertinage ou encore le romantisme.
Elle montre comment, partant d'une stigmatisation du féminin, chaque époque a réhabilité successivement la femme, l'amour, la relation, le plaisir et le sentiment pour aboutir à l'invention de l'amour libre.
Rendue sensible à travers un fl orilège de quelques 250 oeuvres d'art, croisant les techniques et les civilisations, cette histoire ne prétend pas à l'exhaustivité, mais privilégie un point de vue d'auteur. Chacun des chapitres met en lumière un tournant majeur dans l'histoire de la relation amoureuse.
Au fi l de ce récit, ponctué de citations littéraires et d'extraits de fi lms, se dévoilent des chefs-d'oeuvre de la statuaire antique, des objets précieux du Moyen Âge, des peintures de Memling, Fragonard, Delacroix, ou encore des sculptures de Canova, Rodin et Claudel.
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Cet ouvrage, fruit d'une réflexion en sciences sociales, prend place dans une série d'études et de recherches conduites depuis 2010 sur les projets artistiques et culturels en milieu carcéral. Avant d'être une exposition, « Le voyage » est un projet collectif de nature muséale en milieu carcéral. Pendant une année, une équipe de neuf personnes détenues ont eu en charge la conception, la mise en oeuvre et la médiation d'une exposition d'oeuvres originales dans le Centre Pénitentiaire Sud Francilien.
Cette exposition présente une centaine d'oeuvres originales provenant de grands musées français comme le Quai Branly ou encore le musée Guimet. C'est la première fois qu'une telle initiative a lieu en France.

La liberté de création n'est prévue dans aucun texte de loi, aucun instrument juridique ne l'a pensée.
La liberté d'expression est bien consacrée depuis plus de deux siècles par l'article 11 de la Déclaration des droits de l'homme et du citoyen de 1789, mais on n'y trouve pas la moindre référence aux oeuvres, ou à l'art. Or les oeuvres font débat. Et ce débat se déroule de plus en plus devant les tribunaux, la loi se montrant sans cesse plus contraignante et répressive. Qui doit juger les oeuvres et selon quels critères ? De l'élu qui décide d'interdire telle exposition à la commission de classification des films qui applique désormais des critères ouvertement subjectifs, la littérature, les arts plastiques, la chanson, le cinéma sont désormais passés au prisme des opinions de chacun, religieuses, morales, politiques. L'art doit-il se soumettre ou être soumis de force à des impératifs aussi variés et étrangers à sa sphère ? Comment définir la liberté de création ? Y a-t-il des limites acceptables ? Quelle est la nature du débat en droit et entre juristes ? Comment répondre aux demandes de censure lorsqu'on est un élu ? Que se passe-t-il ailleurs, et notamment aux Etats-Unis, souvent cités en exemple ? C'est à toutes ces questions que tente de répondre ce livre, nourri de nombreux exemples concrets. Plaidant pour que le public reste libre d'entrer en contact avec les oeuvres sans que l'on pense à sa place, Agnès Tricoire dessine ainsi les contours de la liberté de création, qui s'enracine dans la liberté d'expression, mais s'en distingue parce que l'art n'est pas simplement du discours.
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C'est ce qu'explique cet ouvrage, en proposant une analyse inédite de 80 peintures et sculptures qui ont fait date dans l'histoire de l'art universel. Concise, précise et vivante, chacune des notices resitue l'oeuvre dans son contexte, dévoilant ainsi ce qui l'a rendue exceptionnelle. S'agit-il du sujet, de la composition, de la technique ? Ou bien plutôt du message, de la vision de l'artiste ? De Sandro Botticelli à Andy Warhol, en passant par Cézanne, Chagall et Hopper, ce livre conçu par des spécialistes nous invite dans les coulisses de la création, en redécouvrant l'ensemble de nos génies artistiques.

Les artistes à travers leurs oeuvres exposent leur vision de la société. Ils sont nombreux à intégrer des marques dans leurs oeuvres, les marques étant devenues des objets symboliques, porteurs de sens et de valeurs pour les artistes. Ce beau-livre présente pourquoi et comment les artistes s'emparent de cet objet social qu'est la marque. Il décrypte et commente ce que les artistes en font : travail critique, collaboration organisée, références culturelles, marques symboles d'une époque, d'une personnalité, d'un lieu... Cet ouvrage collectif observe à l'intérieur de chaque discipline artistique (peinture, photo, chanson, littérature, cinéma...) les contours des relations entre l'artiste et la marque (amour, haine, inspiration, référence...)

Membre fondateur d'un réseau bancaire d'où dérive le groupe BNP Paribas, Meyer Joseph Cahen (1804-1881) adopta le « d'Anvers » au moment de son établissement à Paris, en 1849. Né à Bonn, d'une famille ashkénaze, il fit fortune dans la ville belge à laquelle il lia son nom et il poursuivit son chemin dans l'Hexagone. Naturalisé français, il fut anobli par le roi d'Italie Victor-Emmanuel II en 1866. Grâce au soutien économique offert à l'Unification italienne, ce banquier qui était déjà le propriétaire du château de Nainville (Essonne) et du Petit Hôtel de Villars (Paris), put se prévaloir d'un titre comtal.
Dix-neuf ans plus tard, le roi Humbert Ier dépassa son prédécesseur et éleva le fils aîné de Meyer Joseph, Édouard (1832-1894), au rang de marquis de Torre Alfina. Si ses frères et soeur - Emma (1833-1901), Louis (1837-1922), Raphaël (1841-1900) et Albert (1846-1903) - lièrent leurs parcours à la capitale française, l'aîné vécut entre Florence, Naples et Rome : il fut l'un des grands responsables de l'aménagement urbain de la capitale italienne, après la chute de la papauté.
En France, tout comme en Italie, l'art, et notamment l'architecture, servirent à légitimer la noblesse récente d'une famille qui souhaitait exprimer la plénitude de ses droits civils. Cibles de la presse antisémite, les Cahen d'Anvers vécurent les conséquences de l'Affaire Dreyfus et les horreurs des lois raciales. Avant ces dernières, ils adoptèrent ce que l'on pourrait définir comme un « modèle d'intégration par le haut ». C'est sur ses mécanismes et sur son développement que cette thèse se concentre. Après avoir retracé les origines du patriarche, elle analyse les politiques matrimoniales de la famille et se poursuit par une exploration des « choix » opérés par les Cahen d'Anvers dans le vaste domaine de la culture. Dans leurs salons, les lecteurs croiseront les pas de Guy de Maupassant, de Paul Bourget, de Marcel Proust et de Gabriele D'Annunzio, ou encore d'Auguste Renoir et de Léon Bonnat. Manifestations de la puissance économique acquise, les douze demeures dont nous présentons une étude se firent porteuses d'un éclectisme historiciste qui visait à représenter les propriétaires comme une nouvelle phalange de l'ancienne noblesse. Si le manoir de Forge-Philippe (Wallonie), le chalet de Gérardmer (Vosges) et la Villa della Selva (Ombrie) exprimèrent une certaine ouverture aux nouveautés du XXe siècle, les espaces dont les Cahen d'Anvers furent locataires (Hôtel du Plessis-Bellière, Paris ; Palazzo Núnez-Torlonia, Rome ; château de la Jonchère, Yvelines) et les deux propriétés de Meyer Joseph, ou encore l'hôtel particulier de la rue de Bassano (Paris) et les châteaux de Champs (Seine-et-Marne), des Bergeries (Essonne) et de Torre Alfina (Latium) vêtirent de motifs d'Ancien Régime des espaces propres aux XIXe siècle. Forts de leur connaissance du passé, les architectes Destailleur, Giuseppe Partini et Eugène Ricard, ou encore les paysagistes Henri et Achille Duchêne surent plier la « grammaire » du Moyen Âge, de la Renaissance et du XVIIIe siècle au goût et aux ambitions de leurs commanditaires. Lire la suite Fermer